miércoles, 3 de diciembre de 2014

Encuadre y composición III: composición.

La fotografía no solo es técnica, hay que cuidar también su aspecto artístico. Es fundamental tener en cuenta la composición para mejorar la calidad y darle fuerza a la imagen.
Aunque algunas fotografías tomadas al azar resulten con una composición impecable, lo normal es que una buena composición haya tenido un periodo de meditación y análisis.
Las siguientes reglas, no son unas normas severas que hay que cumplir siempre, muchas veces, cuando se consiguen mejores resultados, es cuando las rompemos, pero para ello hay que conocerlas. Estas reglas no son solo para la fotografía, ya en el siglo III antes de cristo, las usaban los Griegos en pintura, escultura y arquitectura, mas tarde, en el renacimiento, también se usaron (siglos XV y XVI.)Y si nos fijamos en la televisión, cine, etc, veremos como también están presentes.

- La regla de los tercios: consiste en dividir la imagen, con líneas ficticias en tres partes iguales, tanto verticalmente, como horizontalmente y los puntos donde se cruzan estas, se llaman puntos de interés. Es sobre estos puntos y líneas, donde debemos situar nuestro tema principal, para que la vista se fije mas en ellos, no es necesario usar todas las líneas ni puntos. Dependiendo si la toma es vertical u horizontal tienen mas fuerza unos puntos sobre otros. En una toma vertical el que más destaca es el superior derecho y en una horizontal el inferior derecho, esto es debido a que nuestra vista entra a ver las imágenes por la izquierda, seguramente porque cuando leemos textos empezamos también por la izquierda.


- La regla del horizonte: dividiremos la imagen en tres franjas horizontales completamente iguales entre ellas. Una vez hecho esto, sólo deberemos utilizarla para distribuir los elementos de nuestra imagen. Como su propio nombre indica, esta regla consiste en colocar la línea del horizonte en una de las líneas que acabamos de dibujar. Antes de profundizar en qué línea deberíamos colocar nuestro horizonte, es importante puntualizar que esta división del encuadre se puede realizar tanto para las tomas en horizontal como para aquellas que disparemos en vertical. Sólo tendremos que dividir la imagen en tres zonas iguales.

- La regla de la mirada: es aquella ley en que toda persona, animal o cosa, dentro del recuadro fotográfico debe de tener más espacio libre hacia su parte frontal que lo que ocupa su parte trasera, independientemente de la amplitud de lo abarcado en el encuadre de la toma. Incluso podemos recortar el borde del recuadro fotográfico, la parte del elemento gráfico en cuestión por su parte posterior, si este se encuentra en un plano cercano a la cámara o es de dimensiones muy grandes.

El software de edición. Photoshopeando.

La era digital llega a todos los campos, y como no, al de la fotografía. Las aplicaciones de edición de imágenes ofrecen un gran abanico de posibilidades a la hora de trabajar con las imágenes para crear efectos, manipular las imágenes o montajes para que la fotografía tenga un salida comercial determinada. 

Pero ¿cuál elijo?

Cada vez son más los adeptos a los ordenadores que aprender a manipular o retocar con programas de edición fotográfica de cualquier nivel y complejidad, llegando a ser auténticos maestros del retoque, que no lo de la fotografía -dejemoslo bien puntualizado-. Aunque si bien es verdad, son muchos los fotógrafos de la vieja escuela que van adquiriendo formación sobre el uso de estos programas y se ven montajes de gran calidad que potencian el trabajo de maquilladores, peluqueros y estilistas. 

El precio de la imagen perfecta.



La cara contraria a este apoyo técnico lo vemos en cursos específicos para aprender a "Maquillar con...(programa de edición)" pero por mucho que se empeñen en querer imitar el maquillaje real, no hay punto de comparación. Además del enorme abuso de retoque sobre modelos, cantantes, deportistas, celebrities o personas reales que al pasar por el filtro, no son ni la cuarta parte de lo que eran originalmente y a muchas nos cuesta hasta reconocer.


 

El Software de edición:


ImageForge, LunaPic, Picasa, Photoscape, Lightroom, Photoshop.  De todos estos mencionados a nuestra disposición, los últimos cuatro son los programas que a nivel general tienen mayor uso entre aprendices, aficionados y profesionales.

Como ejemplo, a falta de Photoshop, una de nuestras integrantes del blog tiene el PhotoScape. Abajo señalado estan las pestañas de las herramientas. Las fotos son suyas, de su blog personal y de un post realizado con anterioridad. 
  • Herramientas.Existen herramientas de selección para delimitar las áreas de imagen a editar, y también una " Varita Mágica" que selecciona bajo un rango de color definido. Se puede trabajar con herramientas de dibujos y pinturas como pinceles, lapices, aerógrafos, o crear degradados. Cuenta con utensilios de corrección de exposición, enfoque, o para clonar una parte de la imagen. Además de la lupa de ampliación para un trabajo más detallado. 


  • Reencuadrar. Al visionar una fotografía puede que la composición o la imagen en sí no sea la más acertada. Utilizando la herramienta de recorte delimitamos el nuevo encuadre y posteriormente girar la sección hasta corregir el ángulo. Encontrada la nueva composición, aplicamos el recorte.


  • Ajustes de colorCorrección de dominancia de colores que afectan a una imagen. Muchas veces en el proceso de captación se varían los valores cromáticos originales. En esta aplicación podemos partir de una imagen negativa y conseguir con la función de inversión su versión positiva. Por medio de los ajustes de color podemos afinar los colores naturales de la fotografía.

  • Ajustes de brillo y contraste. Modificar el brillo y contraste de una fotografía . Una imagen debe contener un equilibrio natural de las zonas claras, tonos medios y zonas oscuras. Con una fotografía apagada, modificamos sus niveles de tonos, manipulando su histograma (Representación gráfica de tonos) o aumentando los valores de brillo y contraste, hasta que la imagen recupere las luces y sombras naturales.

  • Retoque de imágenesNos permite realizar con limpieza valores que por otros procedimientos serian mas complicados. Cuando una fotografía esta deteriorada o manchada, tenemos varias herramientas que nos ayudan a recuperar su apariencia original. Podemos utilizar filtros digitales que se encargan en limpiar la imagen, también el tapón de clonar porciones de imagen o seleccionar zonas de color semejantes, duplicarlas y pegarlas sobre el área a restaurar.

Para detalles "perceptibles" como el caso de manchas de maquillaje, vellos indeseados o falta de brillos.
  • Virado de imágenesSE han aplicado desde los primeros tiempos de la fotografía, que podemos usar en nuestro ordenador de forma eficaz y sencilla. SE han creado filtros digitales que aplican el tono que queremos utilizar a la imagen tratada. Otra forma es utilizando duotonos o tritonos para crear la gama de tonos de colores, que reemplace la escala de grises. El único requisito es crear una gama tonal que respete los niveles de imagen original.

  • Coloreado de imágenesPodemos colorear una imagen de escala de grises, pintando o aplicando selectivamente la zona de color. Una opción consiste en colorear la imagen con algunas de las herramientas de dibujo  y pintura  convenientemente aplicadas otra es hacer selecciones de las diferentes zonas que queremos colorear y por medio de la función de ajustes de color, ir aplicando a sombras, medios tonos, que consigan aportar a la fotografía de una apariencia natural y equilibrada.



Dibujando con la luz. Luz y color en fotografía.

La luz y el color son la base de la fotografía, ya que sin ellos no tenemos elementos que inmortalizar a través de la imagen fija. Con la fotografía estamos dibujando mediante el uso de la luz, y es esa luz la que nos aporta los colores que captamos. Por eso, para un fotógrafo es importarte saber ver y usar la luz para sacar el mayor partido de ella, ya que afecta directamente campos como el color, la polarización, la reflección y la refracción, conceptos con los que se encontrará día a día.


¿QUÉ ES LA LUZ?

La luz, en un sentido amplio de la palabra, comprende todo el campo de la radiación electromagnética conocido como Espectro electromagnético, siendo la luz visible (luz como tal, la que vemos con nuestros ojos) una parte de ese espectro conocida como Espectro visible

No todas las ondas se mueven en línea recta, como es el caso de las olas del mar que crean ondas variables en cuanto a frecuencia y se mueven de forma circular. 






Las tres propiedades más importantes de la luz son:
  1. Viajar en línea recta. Podemos ver las sombras proyectadas.
  2. Se refleja al llegar a una superficie (fenómeno de Reflección) de forma especular (espejo, agua en calma) o difusa cuando la superficie es rugosa y se refleja en todas las direcciones.
  3. Cambia de dirección al pasar de un medio a otro (fenómeno de Refracción). 
De estas tres propiedades, la más importante para un fotógrafo es la que se produce mediante el fenómeno de Reflección, ya que de una manera directa afecta la exposición de la fotografía, el color y el rango dinámico.




¿QUÉ ES EL ESPECTRO ELECTROMAGNÉTICO VISIBLE?



Comprende una serie de radiaciones electromagnéticas cuyas longitudes de onda oscilan entre los 400 nm y los 770 nmComo dijimos en un anterior párrafo, es la parte más pequeña del Espectro Electromagnético que se puede ver con la vista ya que sus longitudes de onda hacen vibrar la retina ocular. Este tipo de ondas viaja a nuestro alrededor y chocan con los objetos haciendo que percibamos sus colores. Si bien es cierto, que no todas estas longitudes de onda son visibles al ojo humano, afectan a nuestras fotografías. 

Las  películas fotográficas y los sensores digitales pueden ser sensibles a otras longitudes de onda, como las que conforman la luz infrarroja y ultravioleta (no se ven, pero se sienten). Por ejemplo,  el tono azulado de algunas fotografías producido por los rayos ultravioletas mismo que se corrige con un filtro UV, para la fotografía infrarroja se utilizan filtros que bloquean el espectro mas allá de los 680 nm.



LEYES DE GRASSMANN o LEYES DE LA COLORIMETRÍA TRICROMÁTICA




El físico alemán Grassmann en 1853 publicó el famoso artículo Sobre la teoría de la mezcla de los colores en el que dijo a través de sus cuatro leyes o postulados la manera más objetiva de representar el color mediante coordenadas representativas de la "sensación" de la luz. 


Para fundamentar la teoría, Grassmann propuso considerar como términos básicos tres atributos perceptuales del color:

  • Tono.
  • Brillo del color.
  • Brillo del blanco, es decir, el brillo del componente acromático del color.
Grassmann introdujo también dos términos derivados:

  • Brillo total = Brillo del color + brillo del blanco.
  • Saturación = Brillo del color / brillo total.

Definidos estos términos, Grassmann avanzó los siguientes postulados.
  1. Una sensación de color se especifica por completo con tres magnitudes: El tono, el brillo del color y el brillo del blanco.
  2. Si una luz varía de forma continua, también la sensación del color de la mezcla aditiva con una otra luz que permanezca fija variarán de forma continua.
  3. El resultado de una mezcla aditiva de colores depende sólo de su aspecto y no de su composición física.
  4. La intensidad total de una mezcla aditiva de colores es la suma de la intensidad total de los colores mezclados.


1 ª Ley de Grassmann o Ley de la Trivarianza: 

-Por síntesis aditiva conseguimos los colores mezclando tres franjas del espectro visible en la proporción adecuada, siempre que ninguno de los tres elegidos se puedan obtener por mezcla de los otros dos.  

-Dos radiaciones cromáticamente equivalentes a una tercera son equivalentes entre sí.

-Decimos que las radiaciones son cromáticamente equivalentes cuando producen iguales sensaciones de matiz, saturación y brillo teniendo distinta distribución espectral. 

2ª ley de Grassmann o Ley de la Luminancia:




-Cualquier radiación cromática que se mezcle aditivamente con otra, puede ser sustituida por otra radiación cromáticamente equivalente.

3ª ley de Grassmann o Ley de la Proporcionalidad:

-Cualquier color puede crearse por síntesis aditiva de colores primarios y al hacer esto sumamos sus respectivas luminancias, podemos deducir que la luminancia de un color cualquiera equivale a la suma de las luminancias de sus componentes primarios.

4ª ley de Grassmann o Ley de la aditividad: 

-Si se suman dos colores cualesquiera obteniéndose otro color resultante, éste podría haberse obtenido también sumando los primarios de cada uno de los colores origen. Pero esta conclusión no es correcta. 

De estas cuatro leyes, revisadas posteriormente por estudios más actuales se sacan las síntesis de los colores luz y color pigmento que son la base de la colorimetría.

¿QUÉ ES LA COLORIMETRÍA?

En el apartado de las leyes de Grassmann, el título hablaba de Colorimetría pero ¿sabes lo que es?

La Colorimetría según la Sociedad de Óptica de los Estados Unidos, puede definirse como la `Ciencia de la medición de la luz, en su aspecto de color, luminosidad y cromaticidad'; es decir, es la ciencia que estudia los colores, caracterizándolos mediante números, para que una vez que se encuentren cuantificados podamos operar con ellos y deducir características de los colores obtenidos mediante mezclas, así como para averiguar las cantidades que hay que mezclar de varios colores elegidos y considerados como primarios, para obtener el color deseado.

Basándonos en las Leyes de Grassmann la Colorimetría moderna es la Colorimetría tricromática, cuya idea básica consiste en caracterizar cualquier color a partir de tres colores primarios, lo que simplifica enormemente el estudios de los colores.

La cosa va de mezclas...


En la naturaleza es difícil encontrar colores espectrales puros (que solo contengan una longitud de onda). Pero esta situación solo se produce con técnicas sofisticadas que consiguen una radiación monocromática, como es un rayo láser. En el mundo real encontramos objetos coloreados con gran cantidad de colores espectrales, dando lugar al concepto de mezclas de colores

Así distinguimos dos tipos de mezclas diferentes entre sí pero con una cosa común. 

La luz es la mezcla de todo los colores del Espectro Visible. Al incidir la luz en el prisma observamos la descomposición en sus colores componentes. Cada banda, recordamos, tiene una longitud de onda y los objetos absorben o reflejan una longitud concreta dando el color. 

Mezcla aditiva. Se emplea la luz como punto de origen de los colores. Los tres colores primarios luz son el azul, el verde y el rojo. Mezclando estos colores en proporciones equitativas, llegamos al blanco. Es el sistema empleado en televisores y monitores TCR de los ordenadores. Como vemos en el dibujo, al proyectar los haces de luz dese la misma distancia y hacia el mismo punto, no solo obtenemos el blanco como origen sino que en cada vértice de estos colores, por suma aditiva, encontramos el azul cyan, el amarillo y el magenta. Éstos no son otros que los colores pigmento, los tres colores primarios prigmento sobre los que se establece la obtención del resto de colores. 



Mezcla substractiva. Esta mezcla funciona eliminando los colores luz hasta llegar al negro. Encontramos el azul cyan, el amarillo y el magenta. Éstos no son otros que los colores pigmento, los tres colores primarios prigmento sobre los que se establece la obtención del resto de colores. Este sistema se emplea en impresoras, para reproducir imagenes.







jueves, 27 de noviembre de 2014

Encuadre y composición II: tipos de ángulos

- Ángulo normal: el nombre de este ángulo básicamente nos indica de qué se trata. Cuando fotografiamos en ángulo normal, nos encontraremos al mismo nivel que el sujeto. Por ende, se trata de uno de los más naturales y más usados en fotografía, nos encontramos en una línea paralela al suelo, que coincide con la línea imaginaria que nos planteamos. Estamos mirando a nuestro sujeto a los “ojos”.



- Ángulo picado: El ángulo picado se realiza cuando hacemos la toma desde un ángulo más elevado, desde una posición más alta que la del sujeto. Con dicha perspectiva, logramos que el sujeto u objeto aparezca más pequeño, y por ende, disminuido.

- Ángulo contrapicado:  la fotografía se realiza desde un lugar más bajo que el motivo fotografiado, quedando este más alto que la cámara. La perspectiva que se genera, muestra al engrandecido visualmente, con lo que se logra transmitir mayor importancia y una posición dominante en relación al espectador.

- Ángulo cenital: La imagen se toma desde en un ángulo completamente perpendicular, de arriba hacia abajo, con respecto al suelo. Produce escena sin perspectiva, que puede resultar bastante descriptiva en el caso de pequeños objetos, pero generalmente es inusual aunque interesante el resultado obtenido. No es muy común emplear este tipo de ángulo pero en ciertos casos como recurso compositivo puede servir para explorar la creatividad.

- Ángulo nadir: Cuando el ángulo en contrapicado lo llevamos a su punto extremo, obtenemos un ángulo de tipo nadir. Su uso incrementa la sensación de contrapicado, y llega a transmitir una sensación abrumadora de grandeza ante lo que el espectador observa. Ideal para fotografía de altos edificios los cuales por sus mismas geometrías añaden gran profundidad a la escena.

- Ángulo aberrante: Al inclinar la cámara, los ejes horizontal y vertical no coinciden con los de escena que aparece en la fotografía. Ésto como mínimo produce cierta sensación de inestabilidad y falta de equilibrio, lo que puede ser utilizado como recurso expresivo. En el cine se emplea este ángulo para aumentar la tensión, pocas son las películas de terror o suspense en las que no encontramos este tipo de angulaciones.


jueves, 20 de noviembre de 2014

Copia final.

Incluso cuando tenemos una buena copia, ésta puede no ser de nuestro gusto por el excesivo contraste luminoso de la escena, que resulta imposible de recoger en la copia, la excesiva gama de grises necesaria y las limitaciones del negativo.




En estos casos, recurrimos a dos técnicas muy conocidas:

Los tapados o apantallados. Reducen el tiempo de exposición en las sombras y sacan algún detalle de las zonas más claras del negativo. Esta técnica se realiza recortando siluetas en cartulina menores que la zona a tapar. Esta cartulina queda separada del papel durante la exposición con un alambre y esta en continuo movimiento para difuminar sus bordes. Se usa para aclarar pequeñas zonas o hacer desaparecer un cielo.

Los quemados.Se emplean para oscurecer zonas muy blancas de la copia que son muy densas en el negativo y sacar detalles de ellas así como añadir varias imágenes en zonas de otro fotograma previamente apantallado. 

Ambas modifican el tiempo de exposicion en las zonas muy claras u oscuras, es decir controlan la densidad de la fotografía. Se las considera la base de los trucajes fotográficos en la mezcla de imágenes.

Al aparecer el papel de contraste variable, las técnicas anteriores crean la posibilidad del control local del contraste, siendo muy util para equilibrar la gama de grises entre dos zonas distintas de la escena.



Inclinando el cabezal de la ampliadora o la superficie de proyección, podemos distorsionar la escena a voluntad, para corregir , por ejemplo, la fuga de lineas en fotografía arquitectónica tal y como se hace con los resplados en una cámara de estudio.

Para realizar orlas, viñetas y marcos durante el positivado, empleamos ambas técnicas. 



A día de hoy los trucos de fotografía son infinitos e incluso, sin digitalizar la escena, podemos controlarla mediante el retoque aerográfico y la cámara. 

viernes, 14 de noviembre de 2014

Obtención de la copia

¡Hola!

Después de todo el proceso del revelado del negativo y el positivado, muy largos y llenos de tecnicismos liantes y valorando pros, contras y defectos en ambos procesos, llega el turno de obtener nuestra ansiada copia.

¿Te atreves?...¡Allá vamos!




Determinados el encuadre definitivo sobre la hoja de contactos, realizamos un enfoque de precisión observando la imagen proyectada en el marginador abriendo al máximo el diafragma. En diafragmas muy abiertos la profundidad del campo es muy reducida, asegurando un enfoque aún mayor cuando cerramos dos o tres puntos el diafragma para exponer la imagen definitiva. Para más precisión, la proyectamos sobre el dorso de una copia inservible del mismo grosor.

Conociendo los datos de la hoja de contacto (contraste y tiempo de exposición para una copia equivalente) y de la tira de pruebas (tiempo concreto de exposición), elegimos el papel. Apagamos la luz blanca y encendemos la roja de seguridad. Extraemos la hoja y la sujetamos al marginador con la emulsión hacia arriba. 

Modificar el tamaño total de la imagen respecto a la prueba, implica elevar o descender el cabezal de la ampliadora, variando el tiempo de exposición, regido por la ley del cuadrado inverso (al doblar el tamaño de un lado de la copia, multiplicamos por cuatro la exposición).

Aspectos a tener en cuenta: 

  • Tras la exposición apuntamos al dorso el tiempo y diafragma empleado e lo introducimos con la imagen hacia abajo en la cubeta del revelador, le damos la vuelta a los pocos segundos para observarla.
  • Durante el revelado conviene mover la copia con las pinzas o balancear la bandeja para renovar la capa de reactivos en contacto con el papel, obteniendo un revelado homogéneo.
  • Hasta ser más experimentados, la luz de seguridad nos da la impresión de que la copia se ennegrece demasiado, haciendo que saquemos la copia antes de tiempo. Debemos revelar la copia a fondo y evitar sacarla antes, ya que resultaría inaceptable al carecer de los grises sutiles y los negros profundos.
  • Una copia bien revelada desacelera su oscurecimiento hasta casi detenerse, en un tiempo dado, según el tipo de papel y exposición recibida. La juzgaremos seca y con luz blanca.
  • Si se ha expuesto y revelado correctamente, presenta una gran gama tonal con blancos limpios y negros profundos. La mayor o menor cantidad de gris se logra, en ciertos limites, variando el grado de contraste del papel.  

Detenemos el proceso al sacar la copia y pasándola a la bandeja del baño de paro con la misma composición y funciones que cuando revelamos el negativo (detenemos el revelado y neutralizamos el revelador y su pH). 

Después pasamos al fijado donde se mantiene unos minutos y posteriormente, al lavado final con agua corriente.

El tiempo de estancia en cada baño varia según del tipo de papel: 

  • Papeles plásticos o RC. Muy rápidos y resistentes. De precio ligeramente superior. Tiempo de revelado de 2 minutos. Paro: 15 ". Fijado: 5´. Lavado: 5´.
  • Papeles baritados o de fibra. Tardan más por el mayor tiempo de difusión de los reactivos entre las fibras del papel y su eliminación. Son más caros por su gran calidad, aunque insustituibles en fotografía artística. Tiempo de revelado de 5 minutos. Paro: 15". Fijado: 20´. Lavado: +30´. -El secado y el acabado final se realiza con la esmaltadora. Dependiendo de la cara expuesta en la plancha, conseguimos superficies granulosas o brillantes.

    En estos papeles, la profundidad del fijado y del lavado determinan la perdurabilidad de la imagen.
Todos los reactivos utilizados en el proceso son equivalentes a los del revelado del negativo, de hecho se pueden usar los mismo reveladores para ambos procesos, aunque aumentando su concentración. Lo mejor es usar reveladores formulados para el positivado, con mayor energía y contraste.

El baño de paro y el fijador son iguales, no usamos humectador, pero hay sustancias que favorecen la eliminación el hiposulfito, acortando el tiempo de lavado. 

Ya tendríamos nuestra copia. ¡A disfrutarla!

Nos vemos en la siguiente entrada.


jueves, 13 de noviembre de 2014

Hoja de contactos y tira de prueba

El aficionado a la fotografía tras haber conseguido el negativo y antes de positivar la primera copia, efectúa una hoja de contactos de la película.

Para ello pone en contacto la cara emulsionada del film con la del papel fotográfico y se exponen a la luz el tiempo deducido a partir de una tira de prueba.  Así, en una sola hoja se resume el contenido calibrar, las desigualdades y defectos del negativo.

Obtener la hoja de contactos proporciona cinco ventajas:

  • Observar claramente las imágenes que queremos positivar.
  • Elegir el fotograma de una serie similar (muy recomendado en retratos porque es dificil hacerlo sobre el negativo).
  • Elegir el mejor encuadre de cada fotograma jugando con dos ángulos de cartulina negra.  
  • Deduce directamente la exposición necesaria para cualquier copia del carrete y valorar el contraste para la dureza y el grado del papel.
  • Permite localizar más rápidamente un fotograma determinado entre muchas películas, sobretoo cuando se archivan en álbumes junto a sus propios negativos.

La hoja de contacto se obtiene usando una prensa especial o pillando bajo un vidrio los negativos ordenados sobre una hoja fotográfica, emulsión contra emulsión, y exponiendo el conjunto a la luz el tiempo indicado. Suele hacerse bajo la ampliadora aunque también bajo una bombilla.

La copia se revela en las mismas condiciones que se hacen las posteriores copias.











La tira de prueba se emplea para conocer el tiempo de exposición de las copias fotográficas exponiendo un recorte de papel virgen, en el que se tapan zonas consecutivas de una imagen de la que sabemos los tiempos de exposición recibidos.












En la práctica:
  • Localizaremos el área más representativa de la imagen observándola proyectada sobre la amplificadora. Apagamos la amplificadora, colocamos la tira y elegimos un diafragma según la densidad de la escena (cerrando 2-3 puntos el diafragma a partir de su máxima apertura).
  • La tira se cubre con un cartón y se va disparando la ampliadora con distintos tiempos de exposición escalonadamente en la hoja (rara vez se modifica el diafragma, solo variamos el tiempo de exposición).
  • Una vez expuesta, la tira se revela a fondo manteniéndola en la cubeta del revelador unos minutos (2 minutos para el papel RC y 5 minutos para el papel baritado). Fijamos la tira unos segundos y sin sacarla del fijador encendemos la luz blanca y se elige el tiempo según la zona con la densidad más acorde.
  • La exposición se compone de una serie típica 2-4-8-16-32-64 segundos apuntados con tanto indeleble o lápiz graso.
  • Al realizar una copia de calidad, haremos otra más precisa a partir del tiempo obtenido en la primera. Por ejemplo, si el sector de tira correcto fuera el del  4-8 segundos, haríamos una serie así: 4-5-6-7-8 segundos sacando el tiempo de exposición.
  • Los fotógrafos experimentados dan a la primera con el tiempo de exposición, sin hacer pruebas. Existen también exposímetros para la ampliadora, cuñas de grises y otros dispositivos que una vez calibrados ahorran mucho papel. 

El papel fotográfico

Existen diferentes tipos de papel fotográfico. La mayoría de los papeles son de bromuro de plata, pudiéndose introducirse sobre papel blando o de color recubierto con resina. Su estructura es la misma que la de la película salvo porque el soporte en vez de ser transparente es intensamente blanco para mejorar la reflexión de la luz.

El papel fotográfico también es sensible a la luz como las películas fotográficas, estos grados de sensibilidad se fijan con valores ANSI.

El papel fotográfico lleva la emulsión sensible a la luz y según su superficie sensible, puede tener diferentes texturas y gradaciones de contraste.

Podemos clasificar el papel fotográfico según tres aspectos principales:

Según su estructura o textura, clásico o baritado y plastificado o PE o RC.

Según su sensibilidad especial: no cromatizados, Ortocromáticos, Pancromáticos y de contraste variable.


Según su formato y comercialización

Estructura o textura.

El papel baritado o clásico: Es un papel más económico y más usado en fotografía artística. Está formado por una capa portectora de gelatina bajo la que se dispone la emulsión de cristales de haluro de plata. Entre ella y el papel lleva una capa de barita (sulfato de bario) para que sea más blanquecino y proporciona mayor calidad, pero se necesitan tiempos mayores en los procesos químicos del positivado. Las copias realizadas con el papel baritado se mantienen inalterables en el tiempo.

Una vez realizadas las copias hay que plancharlas con una especie de prensa. Si optamos por el acabado brillo deberemos esmaltar las copias. El papel es de extraordinaria calidad y pureza y no tiene ningún recubrimiento posterior. Su ventaja radica en que, si el lavado final ha sido correcto (casi una hora), la imagen tiene asegurada una vida superior a la de los plastificados y además la gama de grises que ofrece es mucho mayor.




El papel PE, RC, plastificado o resina: la capa de barita y el sustrato de papel esta recubierto por una capa plastificada de resina que evita que los elementos químicos sean absorbidos, con lo cual, este papel no se humedece mucho consiguiendo tiempo de revelado (5 min) y un secado más rápido (sin esmaltadora), sin arrugas y muy brillante. Proporcionan una muy buena calidad.








La estructura de estos dos tipos de papel determina algunas diferencias en el revelado. 





Sensibilidad especial.


No cromáticos. Son las clásicas emulsiones de Cloruro de Plata. Como son sensibles sólo hasta azul pueden usarse con gran variedad de luces de seguridad (amarillas, naranjas, rojas).






Ortocromáticos. Son emulsiones rápidas y modernas a base de Bromuro de Plata. Resultan afectadas por radiaciones azules y verdes. Con estos papeles se usan las luces de seguridad roja y naranja. 





Pancromáticos. Son sensibles a todas las longitudes de onda, debiendo manipularse en completa oscuridad o con lámparas especiales de vapor de sodio. Se emplean en fotos en blanco y negro a partir de negativos de color.




Contraste variable. Papeles ortocromáticos que incorporan dos capas en su emulsión: una de alto contrastre sensible al violeta y azul, y otra de bajo contraste sensible al verde y amarillo. Con un solo tipo de papel y usando una ampliadora de filtro adecuado, variamos el contraste sin tener que recurrir a cajas de distintas durezas. 

Con la ampliadora con cabezal en color o indroduciendo filtros en el cajetín de una en blanco y negro modificamos el contraste. Para suavizarlo usamos filtros amarillos con densidad creciente. Y para aumentar el contraste empleamos filtros magenta con densidad creciente. 

Los de contraste fijo se fabrican con sustancias incorporadas en la emulsión que determinan el grado de contrastre. Cada marca tiene su escala con 3, 5 o más tipos. Los de menor contraste tienen los números más bajos. 

Los negativos muy contrastados se corrigen positivándolos en papel suave y los de bajo contraste en papel duro. Con los grados intermedios adaptamos el contraste a nuestro gusto.


Formato y comercialización.




Encontramos gran variedad de tamaño y ninguno coincide proporcionalmente con el formato exacto del negativo (cortamos parte del fotograma o dejamos papel sin positivar).

Los papeles pueden adquirirse en sobre de 10-25 unidades y en cajas de 50-100 hojas. 

Al encargar un papel debemos tener en cuenta:

Su peso (papel, cartulina, cartón). 

Su acabado superficial (mate, perlado, semimate, brillante)
  • Papel mate muy indicado para realizar exposiciones y exhibiciones.
  • Papel brillo muy indicado por la nitidez que presenta la imagen final.

Su color (blanco, hueso, sepia, gris). El papel blanco o blanco cálido (tonalidad un tanto amarillenta). Debe conservarse a temperatura ambiente y que no exceda los 20 ºC.

Su rapidez (casi todas las marcas tienen tipos especialmente rápidos).